Inhalt: Nach dem Tod von Albans Brüdern bei einem Brand in ihrem Haus leidet die gesamte Familie unter einem Schock, psychischen Störungen und extremer Armut. Von allen Familienmitgliedern ist Alban am stärksten von dieser Tragödie betroffen.
Inhalt: Der Film begibt sich in das Innenleben der neuen russischen Machtelite und ist ein faszinierendes und erschreckendes gesellschaftliches Porträt von Putins Russland.
Die Gegend um die 30 km lange Rubljovka-Chaussee, die von Moskau in die russische Provinz führt, zog in allen Zeiten wie ein Magnet die Mächtigen und Reichen an: Zaren, Diktatoren, Präsidenten und neuerdings die Oligarchen und Stars des Show-Business. Es ist ein bizarrer Mikrokosmos von Macht und Geschichte, Intelligenz und Dekadenz, den es sonst nirgendwo in Russland gibt. Der Film begibt sich auf eine Zeitreise, um das Phänomen dieser in sich geschlossenen Welt zu erforschen. Zutage kommt unter anderem die Gentrifizierung auf neu-russische Art: Wer arm ist, aber ein Grundstück an der Rubljowka hat, gehorcht besser, wer er gebeten wird umzusiedlen. Es könnte sonst sein, dass eines Tages das Haus brennt.
Die in Sibirien geborene Irene Langemann bringt alle Voraussetzungen mit, diesen verschlossenen Kosmos sichtbar zu machen.
Protagonist: Shanna Bullock, Marusja Agiewa, Oleg Stupenkow, Mstislav Rostropovich, Galina Shostakovich, Nikas Safronov, Helen Yarmak; Stimme: Patrick Mölleken; Drehbuch: Irene Langemann; Produktion: Wolfgang Bergmann; Kamera: Maxim Tarasjugin; Regie: Irene Langemann; Montage: Kawe Vakil Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Der Dokumentarfilm des in Luzern und Berlin lebenden Regisseurs Aldo Gugolz handelt von der Baselstraße in Luzern, einer engen, lauten Straßenschlucht, die mit unterschiedlichen Herausforderungen zu kämpfen hat.
Hippe Ausgehlokale, exotische Läden, Bars und Restaurants prägen die Baselstraße, die ein Schmelztiegel für dutzende Nationen und Sprachen ist. Mit dem Film nähert sich Aldo Gugolz auf sehr feinfühlige Weise den Bewohnerinnen und Bewohnern Luzerns an.
Kamera: Stéphane Kuthy, Aldo Gugolz, Adrian Stähli, Susanne Schüle; Montage: Andreas Zitzmann; Drehbuch: Aldo Gugolz, Christina Caruso, Susanne Schüle; Regie: Aldo Gugolz; Produktion: Thomas Thümena Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Ist Erwachsenwerden einfach - und ist Erwachsensein schwer? Die Berlinerin Charlie findet es verdammt schwer, die Erwartungen ihres Umfelds und ihre eigenen auseinanderzuhalten. Ihr Freund Marco möchte ein Kind, und ihr Kollege Gerry mutmaßt ganz ungefragt: "Fünf Jahre zusammen? Na, da seid ihr doch bestimmt bald zu dritt...?"
Doch Charlie ist sich überhaupt nicht sicher: Ist das schön, ein Kind zu haben, oder verschwindet sie selbst dabei mit ihren Bedürfnissen? Charlie wird in ihrem Beruf als Lehrerin gefordert, und so richtig gut läuft es mit Marco gerade nicht. Dabei war am Anfang alles so wunderbar leicht und spontan. Sie hätte gern wieder etwas von der Aufregung von früher, als sie bis in den Morgen tanzen ging.
Anderen fällt das leichter: Gerry kauft sich einen Wohnwagen und will sich Richtung Balkan treiben lassen, ihre beste Freundin bricht mit dem Rucksack nach Asien auf. Und dann wird auch noch Charlies geliebte, lebenslustige Oma krank. Ist es so, das Erwachsensein?
"Rückenwind von vorn" ist ein einfühlsamer und unterhaltsamer Spielfilm des Hildesheimer Regisseurs und Drehbuchautors Philipp Eichholtz, der 2008 mit der Dokumentation "Meine Daten und ich" sein Debüt gab. Deutschlandweite Bekanntheit erlangte er mit der Tragikomödie "Luca tanzt leise" (2016). "Rückenwind von vorn" eröffnete 2018 die Sektion "Perspektive Deutsches Kino" bei der Berlinale.
"Im Film finden sich viele (...) Szenen aus der Lebenswirklichkeit der Generation Y, bei denen stets das Gefühl einer gewaltigen Spontaneität mitschwingt. Kein Wunder, wurden doch große Teile der Dialoge improvisiert, was 'Rückenwind von vorn' ungemein gut tut. Besonders eindringlich und herzerwärmend sind auch die Szenen zwischen Charlie und Gerry geraten. (...) Alles Dinge, die nicht nur Charlie, sondern auch den Zuschauer ein Leben lang begleiten werden: das Hin- und Hergerissen sein zwischen Entscheidungen, Dingen und Personen. Und die Unsicherheit, sich möglicherweise für den falschen Lebensweg entschieden zu haben. Doch diese Ungewissheit macht das Leben letztlich doch auch so spannend." (spielfilm.de)
"Seine besondere Stärke entwickelt 'Rückenwind von vorn' aber in der zweiten Hälfte, wenn Charlies Beziehung zu ihrer Oma mehr in den Vordergrund rückt und sich zwischen ihr und ihrem Kollegen Gerry etwas Wunderbares entspinnt, das sich nicht so leicht einordnen lässt. So ist die schlichte Geschichte voller naher, emotionaler, aufrichtiger Momente und erzählt auf sehr glaubwürdige Weise vom Erwachsenwerden." (Kirsten Loose, auf: Kino Film Welt)
Schauspieler: Aleksandar Radenkovic, Karin Hanczewski, Martina Schöne-Radunski, Angelika Waller, Amelie Kiefer, Ruth Bickelhaupt, Victoria Schulz, Daniel Zillmann, Claudius von Stolzmann; Sound Design: Luke Euan Reed; Montage: Markus Morkötter, Daniel Stephan; Produktion: Oliver Jerke, Philipp Eichholtz; Kamera: Fee Scherer; Musik: Tina Pepper; Regie: Philipp Eichholtz; Drehbuch: Philipp Eichholtz Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Was passiert, wenn eine Bank pleite geht und einen riesigen Büroturm hinterlässt? Zum Beispiel kann dieser Turm von rund 3000 Menschen besetzt und zu einem Wohnprojekt umfunktioniert werden. Selbst wenn es in diesem Turm weder Strom noch Wasser gibt und die steilen Treppenhäuser roh und ohne Geländer blieben.
Zu einer solchen Besetzung kam es ab 2007 im Zentrum der venezolanischen Hauptstadt Caracas. Schon seit 1994 ragt hier eine 45stöckige, 200 Meter hohe Bauruine in den karibischen Himmel. Nach und nach wurde sie besetzt. Erst mit einem Zeltlager, dann durch allmählichen Umbau des Gebäuderohlings zu mehr oder minder provisorischen Wohnungen durch die Hausbesetzer*innen. Wie viele Menschen hier über die Jahre Zuflucht fanden, kann niemand genau sagen. Zum Zeitpunkt der Dreharbeiten waren es wohl über 2500. Auf jeden Fall sind alle Altersgruppen vertreten. Viele Familien kamen, und mit ihnen Kinder, Jugendliche - aber auch Senioren. Aus dem Centro Financiero Confinanzas wurde ein vertikales "barrio": ein Stadtviertel, eine Heimat auf Zeit.
Jedweden Komfort mussten sich die Bewohner selbst organisieren - hatten dafür aber keine ausbeuterischen Vermieter im Nacken. Der Rohbau birgt viele Gefahren - ist aber sicherer als manch andere Slum-Behausung. Und Slums gibt es in Caracas reichlich. Rund die Hälfte der Hauptstadtbewohner lebt in Armutsvierteln.
Stück für Stück haben sich die Hausbesetzer eingebaut, was sie zum Leben brauchen oder für wünschenswert halten: eine provisorische Wasserversorgung, Elektroleitungen, Satellitenschüsseln. Hinzugebaute Mauern sorgen für mehr Sicherheit der Kinder gegen Absturzgefahr. "Das einzige, was uns fehlt, ist ein Aufzug," berichtet eine Bewohnerin. Einkäufe oder gar Möbel über zehn, zwanzig oder mehr Stockwerke nach oben zu befödern - das bleibt eine mühselige Angelegenheit.
Vielen Mitgliedern der sonstigen Stadtgesellschaft von Caracas ist der "vertikale Slum" allerdings ein Dorn im Auge. Weil die Abwasseranlagen nicht regelmäßig von den Stadtwerken gesäubert werden, treten zwangsläufig auch üble Gerüche auf.
Die Außenwelt betrachtete die Bewohner des Torre Confinanzas bald mit einer Mischung aus Angst und Verachtung. Der Turm sei ein Hort der Kriminalität, sagen Anwohner aus der Umgebung in die Kamera. Demgegenüber stehen Bilder, die eine bemerkenswerte Selbstverwaltung im Innern des vertikalen Viertels zeigen, die so gut es geht für Ordnung sorgt, mit einer Art Hausgeld Gemeinschaftsaufgaben finanziert und Fehlverhalten sanktioniert.
Während die städtische Verwaltung das vertikale Viertel jahrelang ignorierte, zog es die Aufmerksamkeit von Stadtplanern und Architekten auf sich. Ein venezolanisches Architekturbüro dokumentierte die Besiedlung des Torre über einen längeren Zeitraum. Sie sahen in der Gemeinschaft eine gelebte Utopie und äußerten die Ansicht, dass die Umnutzung verlassener Gebäude gerade in Schwellenändern ein Wohnmodell der Zukunft sein könnte. Auf der Biennale di Venezia wurde ihre Beobachtung über den Turm 2012 mit einem "Goldenen Löwen" in der Sparte Architektur ausgezeichnet.
Auch der venezolanische Fotograf Alejandro Cegarra (Jg 1989) widmete sich dem Leben im Turm; seine Fotos fanden international Beachtung.
Markus Lenz hat mit RUINA den Menschen im Turm auch ein filmisches Denkmal gesetzt. Sein Film erzählt von Schwierigkeiten und Erfolgen beim Aufbau einer Sozialgemeinschaft, von Not, Stolz und Erfindungsreichtum.
Aktualisierung: Der Torre Confinanzas wurde 2014 geräumt, seine Bewohner umgesiedelt. 2018 wurde das Gebäude bei einem Erdbeben beschädigt.
Drehbuch: Gesa Marten; Kamera: Markus Lenz, Leonardo Acevedo; Sound Design: Judith Nordbrock, Leonardo Acevedo; Produktion: Markus Lenz; Regie: Markus Lenz; Stimme: Yasmin Angel Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Elf Jahre nach dem Völkermord begleitet der Film Überlebende und Henker vor und nach den ersten Gacaca-Volksgerichtsprozessen, bei denen sie sich von Angesicht zu Angesicht gegenüberstehen. Da ist Obede, der beschuldigt wird, Kinder getötet zu haben, und dessen Bitte um Vergebung nur eine zynische Strategie ist, um freigelassen zu werden. Da ist Gahutu, der "keine Reue" zeigt und vor seinen Richtern immer noch von einer "Schlange" spricht, wenn er von den Menschen spricht, die vernichtet wurden. Schließlich gibt es noch François, der seinen eigenen Bruder töten musste, um überleben zu können, und der heute versucht, sich mit seiner Schwägerin zu versöhnen. Anhand dieser drei Geschichten webt der Film ein Porträt einer Gesellschaft, die sich im Krieg gegen die immer noch präsente Ideologie des Völkermords befindet.
Sound Design: Loïc Collignon; Montage: Yannick Leroy; Kamera: Gil Decamp, Bernard Bellefroid; Drehbuch: Bernard Bellefroid; Produktion: Jean-Pierre Dardenne, Luc Dardenne; Regie: Bernard Bellefroid Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Während seines Jurastudiums in Paris lernte Wolfgang Ramsbott den Tänzer und bildenden Künstler Harry Kramer kennen, mit dem er mehrere Experimentalfilme drehte. Als "Hauptdarsteller" dienten ihnen in "Die Stadt", "Défense 58-24" und "Die Schleuse" die kinetischen Kunstwerke Kramers, "automobile Skulpturen" und Marionetten, gebaut aus gefundenen Dingen, gefilmt in realen Umgebungen: "Himmel und Mauern, ein Lianengeflecht von Wasserrohren, verfallene Hinterhöfe, Mauerrisse, zersprungene Wände voll verschollener, rätselhafter Kinderzeichen, verrostetes Bahnhofsgelände, Wüsten, darin die Figuren, nicht der Umwelt angeglichen in ihrer Blicklosigkeit und besessenen Verformung an sich selbst, geklammert an sinnlos gewordene und mit ihnen verwachsene Gesetzlichkeiten von Mechanismen, die ihnen vielleicht einst gedient hatten, wie in einem Traum verdichteter Leere schwebten, ohne von der Stelle zu kommen, sie stolperten und rollten mit den Maschinen durch sonnenharte, niedergebrannte Landschaften, nur von Gegenständen umgelenkt, von erstarrten Meteoriten." So beschreibt Georg Jappe den besonderen Geist dieser Filme in "La Marionette Artistique" (1961).
In "Sackgasse" tritt Kramer als Tänzer in einer Industrielandschaft auf, ebenso fulminant gefilmt und montiert wie die Großstadtimpressionen in "Aufzeichnungen" - beide unterlegt mit fetzigen Jazzrhythmen. (Quelle: Deutsches Historisches Museum/fl)
Musik: Louis Prima, Benny Goodman; Drehbuch: Harry Kramer; Regie: Harry Kramer, Wolfgang Ramsbott; Produktion: Wolfgang Ramsbott Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Silke wird von einem Fremden von einer Brücke in die Havel gestoßen und leicht verletzt. Ihre Schwester Monika kommt aus Spanien ihrer jüngeren Schwester zu Hilfe. Silke findet den Täter: René, der selbst nicht weiß, warum er das getan hat. Die Schicksale der drei lösen sich auf in einen dramaturgischen Tanz über Opfer, Täter und die Wahrheit zwischen den Lügen.
"Regisseur Nathansky (gesteht) der unerschütterlichen Berliner Sprachmelodie und ihrer Freude am Weglassen und Breittreten einen gewichtigen Anteil am Geschehen zu. Sprachfluss und Tiefgang scheinen aus dem Feuchtgebiet zu stammen, das diese Gegend ursprünglich einmal war. So sehr, dass 'Sag du es mir' als Berliner Wasser-Film sich vor 'Undine' von Christian Petzold nicht verstecken muss - und in manchen Aspekten vielleicht sogar der komplexere und poetischere Film ist.
(...) darüber hinaus ist 'Sag du es mir' vor allem auch ein sprachliches Kunstwerk. In prägnanten Dialogen wird Dahergesagtes in Variationen so lange breitgetreten, bis es eine ungeahnte philosophische Größe oder Absurdität preisgibt. Bild und Wort verbinden sich zu einem auf allen Ebenen überraschenden und doch stringenten filmischen Textgewebe." (Cosima Lutz, in: filmdienst)
"Die Havel, eine Bucht mit Neubauten und eine Brücke. Darauf zwei kleine Punkte, die sich aufeinander zubewegen. Die erste Einstellung von 'Sag du es mir' ist aus großer Höhe gefilmt, ohne dass sich die Kamera rührt - über eine Minute lang. Der eine Punkt nähert sich der Brüstung, bis der andere Punkt vorübergeht, scheinbar unbeteiligt, und ihm plötzlich einen Stoß verpasst. Platsch. Punkt eins landet im Wasser, Punkt zwei entfernt sich. Das ist schon der entscheidende Moment in Michael Fetter Nathanskys Abschlussfilm an der Filmuniversität Babelsberg. In drei Kapiteln erzählt der 27-Jährige (...) was dieser Augenblick mit den Leben der Beteiligten macht. (...) Gleichzeitig spricht aus jeder Minute von 'Sag du es mir' eine tiefe Zuneigung zu den Figuren. Eine Wärme, die den Film auch über die erzählerischen Untiefen hinüberwuchtet." (Tagesspiegel)
Schauspieler: Christina Große, Marc Benjamin Puch, Gisa Flake, Patrick Heinrich, Dennis Kamitz; Regie: Michael Fetter Nathansky; Mitwirkende: Julia Kneusels, Julika Leiendecker, Jonathan Saal; Kamera: Leander Ott; Montage: Camila Mercadal; Produktion: Michael Fetter Nathansky, Karoline Henkel; Musik: Marcus Sander; Drehbuch: Michael Fetter Nathansky; Sound Design: Robert Niemeyer Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Zwischen zwei Hausarbeiten erzählt ein altes Ehepaar seiner Enkelin von ihrem Leben in Vietnam und in Frankreich während des Krieges. Von ihrer ersten Begegnung im Alter von 20 Jahren bis heute beschreiben sie alle wichtigen Etappen ihrer Beziehung. Sie sprechen über das Exil, die Einwanderung, mal auf eine leichte und humorvolle, manchmal auch auf eine ernstere Art und Weise.
In einer Absichtserklärung erzählt Aude Ha Leplège: "Die vietnamesische Kultur nimmt in meiner Familie einen wichtigen Platz ein, und doch war das Bild, das ich von Vietnam hatte, bevor ich mit den Vorbereitungen für dieses Projekt begann und selbst nach Vietnam reiste, letztlich sehr ungenau.
Meine Großeltern waren nämlich nie sehr gesprächig, wenn es um das Thema ging. Sie erzählten oft nur anekdotische Dinge und hatten keinen chronologischen Bezugspunkt. Es war nicht einfach, sie zu befragen, aber sie haben sich schließlich bereit erklärt, mitzumachen.
Ich verwendete ihre Aussagen, um den Soundtrack des Films zu erstellen; ich montierte ihre Stimmen, als würden sie miteinander sprechen und einander antworten, und ließ auch Raum für Unausgesprochenes, um die Erzählung zu konstruieren. Natürlich habe ich mir auch Freiheiten genommen, und die Figuren haben schließlich ihre eigene Autonomie erlangt."
Mitwirkende: Aude Ha Leplège, Louison Chambon, Violette Delvoye; Drehbuch: Aude Ha Leplège; Regie: Aude Ha Leplège; Sound Design: David Nelissen; Montage: Aude Ha Leplège Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Was heißt es, im eigenen Körper gefangen zu sein und nicht gesehen zu werden? Die junge Autistin Veronika Raila entführt uns in ihre einzigartige Erfahrungs- und Lebenswelt. Veronika ist hypersensibel und von Geburt an schwer behindert. Sie hat schmerzhaft erlebt, was es heißt, als Person nicht wahrgenommen zu werden. Als Kind wurde ihr ein IQ von 0 attestiert. Nur ihre Eltern glaubten, dass es anders ist.
Heute veröffentlicht Veronika Prosa und Lyrik, studiert Literatur und Theologie. Mit dem vorliegenden Film nimmt sie gemeinsam mit Regisseur Mark Michel ihr eigenes Leben in den Blick. Der Film kombiniert ihre Texte und Gedanken mit behutsam ins Bild gesetzten Alltagsbeobachtungen, poetischen Naturaufnahmen und den flüchtigen, aber eindrücklichen Sandanimationen der Künstlerin Anne Loeper zu einem Essay über Freiheit und Wahrnehmung.
Dabei ist "Sandmädchen" mehr als die Fortsetzung des preisgekrönten Kurzfilms "Veronika", den Michel 2011 über Raila drehte. Heute ist Veronika nicht nur Protagonistin, sondern kreative Partnerin, die den Film mit ihren pointierten Texten trägt und zur Illustration ihres Innenlebens immer wieder detaillierte Bildvorschläge macht. In einem tiefgründigen, teilweise auch ausgesprochen humorvollen Dialog mit Mark Michel wird Veronika schließlich selbst zur Reiseleiterin in ihre ganz eigene Welt aus Sand, Musik und Worten. Im Mittelpunkt des Dokumentarfilms stehen weniger Veronikas Einschränkungen als ihr Wissensdurst und ihr klarer, bestimmter Blick auf Kunst und Gesellschaft.
Sandmädchen gibt einen Einblick in Veronikas Leben und konfrontiert uns mit unseren eigenen Vorurteilen. Der Film ist ein guter Ausgangspunkt für die Diskussion über den gesellschaftlichen Umgang mit Behinderung in den Fächern Gemeinschaftskunde und Ethik und ein Anlass, sich mit der Frage auseinander zu setzen, wo die Grenzen zwischen Normalität und Behinderung denn gezogen werden können. Wer Veronika in diesem Film erlebt, dem wird klar, dass Kategorien wie "normal" oder "behindert" keinen Sinn ergeben, weil es "die Normalität" nicht gibt. Veronika definiert sich - wie alle Menschen - nicht darüber, was an ihr normal ist, sondern darüber, was an ihr besonders ist. Mit dieser Perspektivverschiebung gelingt es auch den Zuschauenden schnell, die junge Frau als unverwechselbare Persönlichkeit wahrzunehmen. Die im Film genutzte Sandanimationstechnik kann Im Kunstunterricht gut als zweite Darstellungsebene analysiert werden. Die flüchtigen Sandbilder veranschaulichen die zerbrechliche, aber dennoch hochkomplexe Persönlichkeit der jungen Frau auf nahezu perfekte Weise. (Luc-Carolin Ziemann)
Produktion: Mark Michel; Montage: Andreas Baltschun, Ed van Megen; Protagonist: Petronilla Raila, Veronika Raila, Petronella Rößle, Uwe Raila; Kamera: Ines Thomsen; Musik: Alex Komlew; Drehbuch: Veronika Raila, Mark Michel; Regie: Mark Michel Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Sommer 1980: Der zwölf Jahre alte Oktay wuchs nach seiner Geburt bei seiner Großmutter in der Türkei auf. Nun aber soll er zu seinen in Deutschland lebenden Eltern Fatma und Sabri ziehen, die er eigentlich kaum kennt. Aber auch der Wechsel von der beschaulichen türkischen Provinz ins deutsche Großstadtleben ist für den Jungen ein echter Kulturschock. Oktay ist zwar ein aufgeweckter, lebensfroher Junge, aber in seinem neuen Zuhause fühlt er sich nicht wohl. Er verschließt sich, zieht sich zurück. Allein der 75-jährigen Nachbarin Anna gelingt es, ein Vertrauensverhältnis zu dem Jungen aufzubauen. Die ungewöhnliche Frau steht ihm mit großmütterlichem Rat zur Seite, aber die großen Hürden und Probleme des Alltags muss Oktay trotzdem alleine bewältigen.
Regisseur und Autor Yilmaz Arslan gelingt durch die Augen eines Kindes ein sensibler Blick auf die bundesdeutsche Gesellschaft, wobei er in metaphernreichen Bildern die schönen und die hässlichen Seiten des Lebens zeigt.
"Das Leben ist kein Wunschkonzert, erklärt Anna dem zwölfjährigen, an Hämophilie erkrankten Oktay. Es gebe nun einmal Schicksalsschläge, denen man sich fügen müsse. Das hat sie am eigenen Leib erfahren. Und ihre Maxime gelte genauso für ihn als Kind. Doch die Ersatz-Großmutter weiß auch, wie sich Unheil entschärfen lässt. Es bedarf Menschen wie ihrer, mit denen Oktay seinen Schmerz teilen kann. (...) Das Entwicklungsdrama 'Sandstern' unterstreicht, dass man sich mit der eigenen Geschichte aussöhnen sollte. Daraus strömt der Stoff für poetische Geschichten. Und das Geschichtenerfinden und -erzählen würdigt der Regisseur als große Kulturleistung. Mit ihr können schmerzhafte Erfahrungen nicht nur verarbeitet werden. Sie können wie dieser bezaubernde Film zur Kraftquelle für andere und gegen den Zeitgeist werden." (Heidi Strobel, Kinder und Jugend Film Portal)
Schauspieler: Larisa Faber, Marcus Eim, Erdal Yildiz, Taies Farzan, Katharina Thalbach, Stefan Weinert, Hilmi Sözer, Roland Kagan Sommer; Regie: Yilmaz Arslan; Produktion: Yilmaz Arslan, Elise André, Donato Rotunno; Kamera: Jako Raybaut; Musik: Firas Hassan; Drehbuch: Yilmaz Arslan; Montage: Sophie Vercruysse Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Sommer 1980: Der zwölf Jahre alte Oktay wuchs nach seiner Geburt bei seiner Großmutter in der Türkei auf. Nun aber soll er zu seinen in Deutschland lebenden Eltern Fatma und Sabri ziehen, die er eigentlich kaum kennt. Aber auch der Wechsel von der beschaulichen türkischen Provinz ins deutsche Großstadtleben ist für den Jungen ein echter Kulturschock. Oktay ist zwar ein aufgeweckter, lebensfroher Junge, aber in seinem neuen Zuhause fühlt er sich nicht wohl. Er verschließt sich, zieht sich zurück. Allein der 75-jährigen Nachbarin Anna gelingt es, ein Vertrauensverhältnis zu dem Jungen aufzubauen. Die ungewöhnliche Frau steht ihm mit großmütterlichem Rat zur Seite, aber die großen Hürden und Probleme des Alltags muss Oktay trotzdem alleine bewältigen.
Regisseur und Autor Yilmaz Arslan gelingt durch die Augen eines Kindes ein sensibler Blick auf die bundesdeutsche Gesellschaft, wobei er in metaphernreichen Bildern die schönen und die hässlichen Seiten des Lebens zeigt.
"Das Leben ist kein Wunschkonzert, erklärt Anna dem zwölfjährigen, an Hämophilie erkrankten Oktay. Es gebe nun einmal Schicksalsschläge, denen man sich fügen müsse. Das hat sie am eigenen Leib erfahren. Und ihre Maxime gelte genauso für ihn als Kind. Doch die Ersatz-Großmutter weiß auch, wie sich Unheil entschärfen lässt. Es bedarf Menschen wie ihrer, mit denen Oktay seinen Schmerz teilen kann. (...) Das Entwicklungsdrama 'Sandstern' unterstreicht, dass man sich mit der eigenen Geschichte aussöhnen sollte. Daraus strömt der Stoff für poetische Geschichten. Und das Geschichtenerfinden und -erzählen würdigt der Regisseur als große Kulturleistung. Mit ihr können schmerzhafte Erfahrungen nicht nur verarbeitet werden. Sie können wie dieser bezaubernde Film zur Kraftquelle für andere und gegen den Zeitgeist werden." (Heidi Strobel, Kinder und Jugend Film Portal)
Montage: Sophie Vercruysse; Drehbuch: Yilmaz Arslan; Schauspieler: Erdal Yildiz, Stefan Weinert, Taies Farzan, Katharina Thalbach, Hilmi Sözer, Larisa Faber, Marcus Eim, Roland Kagan Sommer; Produktion: Donato Rotunno, Yilmaz Arslan, Elise André; Musik: Firas Hassan; Kamera: Jako Raybaut; Regie: Yilmaz Arslan Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: In ihrem dokumentarischen Kurzfilm erzählt Regisseurin Alex Anna von ihren Kämpfen mit Ängsten, Depressionen und Selbstverletzung. Dabei wird ihr Körper zur Leinwand: Ihre Narben erwachen zum Leben und erzählen die Geschichte einer permanenten Selbstverletzung. Live-Action und Animation verflechten sich einer poetischen Reflexion, intim und universell zugleich .
Die ausdrucksstarke Bildhaftigkeit des Films lädt zu einem offenen Dialog ein. Die Bilder von Schnitten und Blut wurden animiert, doch die Narben am Körper der Filmemacherin werden real abgebildet. Damit findet Alex Anna einen Weg, um offen über das Thema "Selbstverletzung" zu sprechen und zugleich ihre eigene Zerbrechlichkeit aufzuzeigen. Der Film wird Teil ihrer eigenen Heilung und schenkt zugleich anderen, ähnlich Betroffenen Sichtbarkeit, Kraft und Stärke. Er weist einen Weg, sich mit der eigenen Vergangenheit zu auseinanderzusetzen und dabei doch zu sich selbst zu stehen.
"Der Film nutzt die Besonderheiten der Selbstverletzung, um über universelle menschliche Erfahrungen von Isolation, Trauer, Sucht und Heilung zu sprechen. Er erforscht die fehlenden Teile unserer emotionalen und geistigen Gesundheit und lädt dazu ein, miteinander reden, unseren Schmerz zeigen, unsere Geschichten erzählen. Egal, wie schmerzhaft, unangenehm oder schwierig." (Melissa Lyman, Interview Movies in Big Shiny Robot).
"Scars" feierte seine Premiere auf dem Toronto International Filmfestival.
Musik: Victor Novak; Produktion: Kelyna N. Lauzier, Alex Anna; Sound Design: Clara Zilliox, Thibaut Demoor; Protagonist: Alex Anna; Drehbuch: Alex Anna; Regie: Alex Anna; Montage: Valérie Tremblay; Kamera: Marilee Goulet Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Ein Dokumentarfilm vom Novemberfilm Kollektiv: Hausbesetzungen in Berlin - Eine Entwicklung, die 1971 mit der Besetzung des "Georg-von-Rauch-Hauses" begann...
Lexikon des Internationalen Films: "Dokumentation über die Auseinandersetzungen zwischen Hausbesetzern und Polizei in Berlin Anfang 1981. Trotz des Verzichts auf Kommentar ein offen parteilicher Film, der weniger eine politische Analyse anstrebt als eine hautnahe Zustands- und Stimmungsbeschreibung."
Regie: Niels Bolbrinker, Barbara Hennings, Klaus Salge; Kamera: Barbara Hennings, Klaus Salge, Niels Bolbrinker; Drehbuch: Barbara Hennings, Niels Bolbrinker, Klaus Salge; Musik: Andi Brauer Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: SCHAMANEN IM BLINDEN LAND erreichte in weiten, insbesondere auch kunstinteressierten Kreisen Kultstatus. Der Film wurde weltweit an bedeutenden Filmfestivals aufgeführt und gehört mittlerweile zu den Klassikern des ethnografischen Films.
Der Film ist eine epische Dokumentation zur schamanischen Praxis in einem Dorf des nordwestlichen Himalaya. Dort, im Schatten des Dhaulagiri-Massivs, leben die Nördlichen Magar. Verkehrsmäßig und durch eine von Nachbarvölkern nicht verstandene Sprache von der Umwelt weitgehend abgeschnitten, haben diese Bergbewohner eine kulturelle Tradition entwickelt und aufrechterhalten, die sich durch ein hohes Maß an Eigenheiten auszeichnet. Eine dieser Eigenheiten ist die lokale Praxis des Heilens.
Der Film versucht, diese Praxis in ihren charakteristischen Zügen festzuhalten: Wie sehen die nächtlichen Seancen aus? Auf welchen weltanschaulichen Vorstellungen bauen sie auf? Wie wird man Schamane und unter welchen Bedingungen; in welchen Bahnen läuft eine Initiation ab? Wie werden die benötigten Ritualgegenstände hergestellt? Welche zeremonialen Tänze und welche mythischen Gesänge muss ein angehender Heiler erlernen?
Der Film verknüpft die verschiedenen Fragen und Themen zum Gesamtporträt einer örtlichen Gesellschaft zu einem Zeitpunkt vor dem Zugriff der digitalen Einheitskultur.
Michael Oppitz hat ein Werk geschaffen, das die Ergebnisse einer intensiven ethnologischen Feldforschung, die Reflexion über das kulturell Unfassbare und Unglaubliche und die Kunst der Dokumentation zusammenführte, noch bevor die Ethnologie die Repräsentationsdebatte führte. Weltweit erfuhr dieses vom WDR finanziertes Projekt Beachtung und Anerkennung und wurde anlässlich der Filmreihe "Die Fremden Sehen" im Münchner Filmmuseum als "zweifellos der bedeutendste deutsche ethnologische Film überhaupt" betitelt.
Michael Opitz (2008): "Die Tätigkeit des Ethnologen ist gleichmäßig grundiert: Es ist die Farbe der Melancholie. Jede Gegenwart, in die er sich als Forschender begibt, trägt bereits die Zeichen des Niedergangs - der Vergangenheit, die als schöne Ruine ihren Schatten auf die Verhältnisse wirft, die er vorfindet; und der von ihm beschriebenen Gegenwart, die ihrerseits der noch unbekannten Zukunft als eine zerbröckelnde Vergangenheit entgegentreten wird."
SCHAMANEN IM BLINDEN LAND erreichte in weiten, insbesondere auch kunstinteressierten Kreisen Kultstatus. Der Film wurde weltweit an bedeutenden Filmfestivals aufgeführt und gehört mittlerweile zu den Klassikern des ethnografischen Films.
Der Film ist eine epische Dokumentation zur schamanischen Praxis in einem Dorf des nordwestlichen Himalaya. Dort, im Schatten des Dhaulagiri-Massivs, leben die Nördlichen Magar. Verkehrsmäßig und durch eine von Nachbarvölkern nicht verstandene Sprache von der Umwelt weitgehend abgeschnitten, haben diese Bergbewohner eine kulturelle Tradition entwickelt und aufrechterhalten, die sich durch ein hohes Maß an Eigenheiten auszeichnet. Eine dieser Eigenheiten ist die lokale Praxis des Heilens.
Der Film versucht, diese Praxis in ihren charakteristischen Zügen festzuhalten: Wie sehen die nächtlichen Seancen aus? Auf welchen weltanschaulichen Vorstellungen bauen sie auf? Wie wird man Schamane und unter welchen Bedingungen; in welchen Bahnen läuft eine Initiation ab? Wie werden die benötigten Ritualgegenstände hergestellt? Welche zeremonialen Tänze und welche mythischen Gesänge muss ein angehender Heiler erlernen?
Der Film verknüpft die verschiedenen Fragen und Themen zum Gesamtporträt einer örtlichen Gesellschaft zu einem Zeitpunkt vor dem Zugriff der digitalen Einheitskultur.
Michael Oppitz hat ein Werk geschaffen, das die Ergebnisse einer intensiven ethnologischen Feldforschung, die Reflexion über das kulturell Unfassbare und Unglaubliche und die Kunst der Dokumentation zusammenführte, noch bevor die Ethnologie die Repräsentationsdebatte führte. Weltweit erfuhr dieses vom WDR finanzierte Projekt Beachtung und Anerkennung und wurde anlässlich der Filmreihe "Die Fremden Sehen" im Münchner Filmmuseum als "zweifellos der bedeutendste deutsche ethnologische Film überhaupt" betitelt.
Michael Opitz (2008): "Die Tätigkeit des Ethnologen ist gleichmäßig grundiert: Es ist die Farbe der Melancholie. Jede Gegenwart, in die er sich als Forschender begibt, trägt bereits die Zeichen des Niedergangs - der Vergangenheit, die als schöne Ruine ihren Schatten auf die Verhältnisse wirft, die er vorfindet; und der von ihm beschriebenen Gegenwart, die ihrerseits der noch unbekannten Zukunft als eine zerbröckelnde Vergangenheit entgegentreten wird."
Montage: Hella Vietzke; Kamera: Rudolf Palla, Jörg Jeshel; Regie: Michael Oppitz; Produktion: Brigitte Kramer, Wieland Schulz-Keil, Jörg Jeshel; Drehbuch: Michael Oppitz Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: SCHAMANEN IM BLINDEN LAND erreichte in weiten, insbesondere auch kunstinteressierten Kreisen Kultstatus. Der Film wurde weltweit an bedeutenden Filmfestivals aufgeführt und gehört mittlerweile zu den Klassikern des ethnografischen Films.
Der Film ist eine epische Dokumentation zur schamanischen Praxis in einem Dorf des nordwestlichen Himalaya. Dort, im Schatten des Dhaulagiri-Massivs, leben die Nördlichen Magar. Verkehrsmäßig und durch eine von Nachbarvölkern nicht verstandene Sprache von der Umwelt weitgehend abgeschnitten, haben diese Bergbewohner eine kulturelle Tradition entwickelt und aufrechterhalten, die sich durch ein hohes Maß an Eigenheiten auszeichnet. Eine dieser Eigenheiten ist die lokale Praxis des Heilens.
Der Film versucht, diese Praxis in ihren charakteristischen Zügen festzuhalten: Wie sehen die nächtlichen Seancen aus? Auf welchen weltanschaulichen Vorstellungen bauen sie auf? Wie wird man Schamane und unter welchen Bedingungen; in welchen Bahnen läuft eine Initiation ab? Wie werden die benötigten Ritualgegenstände hergestellt? Welche zeremonialen Tänze und welche mythischen Gesänge muss ein angehender Heiler erlernen?
Der Film verknüpft die verschiedenen Fragen und Themen zum Gesamtporträt einer örtlichen Gesellschaft zu einem Zeitpunkt vor dem Zugriff der digitalen Einheitskultur.
Michael Oppitz hat ein Werk geschaffen, das die Ergebnisse einer intensiven ethnologischen Feldforschung, die Reflexion über das kulturell Unfassbare und Unglaubliche und die Kunst der Dokumentation zusammenführte, noch bevor die Ethnologie die Repräsentationsdebatte führte. Weltweit erfuhr dieses vom WDR finanziertes Projekt Beachtung und Anerkennung und wurde anlässlich der Filmreihe "Die Fremden Sehen" im Münchner Filmmuseum als "zweifellos der bedeutendste deutsche ethnologische Film überhaupt" betitelt.
Michael Opitz (2008): "Die Tätigkeit des Ethnologen ist gleichmäßig grundiert: Es ist die Farbe der Melancholie. Jede Gegenwart, in die er sich als Forschender begibt, trägt bereits die Zeichen des Niedergangs - der Vergangenheit, die als schöne Ruine ihren Schatten auf die Verhältnisse wirft, die er vorfindet; und der von ihm beschriebenen Gegenwart, die ihrerseits der noch unbekannten Zukunft als eine zerbröckelnde Vergangenheit entgegentreten wird."
SCHAMANEN IM BLINDEN LAND erreichte in weiten, insbesondere auch kunstinteressierten Kreisen Kultstatus. Der Film wurde weltweit an bedeutenden Filmfestivals aufgeführt und gehört mittlerweile zu den Klassikern des ethnografischen Films.
Der Film ist eine epische Dokumentation zur schamanischen Praxis in einem Dorf des nordwestlichen Himalaya. Dort, im Schatten des Dhaulagiri-Massivs, leben die Nördlichen Magar. Verkehrsmäßig und durch eine von Nachbarvölkern nicht verstandene Sprache von der Umwelt weitgehend abgeschnitten, haben diese Bergbewohner eine kulturelle Tradition entwickelt und aufrechterhalten, die sich durch ein hohes Maß an Eigenheiten auszeichnet. Eine dieser Eigenheiten ist die lokale Praxis des Heilens.
Der Film versucht, diese Praxis in ihren charakteristischen Zügen festzuhalten: Wie sehen die nächtlichen Seancen aus? Auf welchen weltanschaulichen Vorstellungen bauen sie auf? Wie wird man Schamane und unter welchen Bedingungen; in welchen Bahnen läuft eine Initiation ab? Wie werden die benötigten Ritualgegenstände hergestellt? Welche zeremonialen Tänze und welche mythischen Gesänge muss ein angehender Heiler erlernen?
Der Film verknüpft die verschiedenen Fragen und Themen zum Gesamtporträt einer örtlichen Gesellschaft zu einem Zeitpunkt vor dem Zugriff der digitalen Einheitskultur.
Michael Oppitz hat ein Werk geschaffen, das die Ergebnisse einer intensiven ethnologischen Feldforschung, die Reflexion über das kulturell Unfassbare und Unglaubliche und die Kunst der Dokumentation zusammenführte, noch bevor die Ethnologie die Repräsentationsdebatte führte. Weltweit erfuhr dieses vom WDR finanzierte Projekt Beachtung und Anerkennung und wurde anlässlich der Filmreihe "Die Fremden Sehen" im Münchner Filmmuseum als "zweifellos der bedeutendste deutsche ethnologische Film überhaupt" betitelt.
Michael Opitz (2008): "Die Tätigkeit des Ethnologen ist gleichmäßig grundiert: Es ist die Farbe der Melancholie. Jede Gegenwart, in die er sich als Forschender begibt, trägt bereits die Zeichen des Niedergangs - der Vergangenheit, die als schöne Ruine ihren Schatten auf die Verhältnisse wirft, die er vorfindet; und der von ihm beschriebenen Gegenwart, die ihrerseits der noch unbekannten Zukunft als eine zerbröckelnde Vergangenheit entgegentreten wird."
Produktion: Brigitte Kramer, Jörg Jeshel, Wieland Schulz-Keil; Regie: Michael Oppitz; Kamera: Rudolf Palla, Jörg Jeshel; Drehbuch: Michael Oppitz; Montage: Hella Vietzke Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Der Film ist ein geschichtlicher Abriss der alten Kaiser- und Grenzstadt Aachen, gelegen zwischen Holland, Deutschland und Belgien. In der "Schatzkammer Europas" wird besonders auf die Geschichte des ersten christlichen Doms, auch Hoher Dom zu Aachen genannt, mit vielen Detail- und Innenaufnahmen eingegangen. Aber auch andere Aachener Schätze und Baukünste werden erwähnt, ebenso wird Aachen als Handwerks- und Bürgerstadt hervorgehoben.
Lizenz mit freundlicher Genehmigung des Bundesarchiv/Filmarchiv. Signatur Bundesarchiv: B-98552/1.
Regie: Johannes Canis Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: DDR-Propagandafilm aus dem Jahr 1962, der den Bau der Berliner Mauer rechtfertigt. Mit einem Kommentar von Karl-Eduard von Schnitzler. Regie führte der in Köln aufgewachsene Karl Gass, der nach 1945 als Journalist beim Nordwestdeutschen Rundfunk in Hamburg anheuerte, dort aneckte und schließlich das tat, was man linken Westdeutschen immer empfahl: Er übersiedelte 1948 in die Sowjetische Besatzungszone - die spätere DDR.
Der Film ruft mit Hilfe von dokumentarischem Material die Entwicklung beider Teile Berlins von den Nachkriegsjahren bis zu den Tagen nach dem 13. August 1961 auf. Die Chronologie des Films wird häufig durch Rückblicke auf Ereignisse des Dritten Reiches unterbrochen, dabei werden Vergleiche mit der Politik Bonns gezogen. Originaltöne des RIAS Berlin sowie Westberliner Politiker werden unter die ausgewählten Filmszenen gelegt. Der Film reproduziert die Rechtfertigung der DDR-Propagandisten für den Mauerbau. (Quelle: DEFA Stiftung)
Der DEFA-Propagandafilm wurde 1962 zum ersten Jahrestag des Baus der Berliner Mauer uraufgeführt. Er zeigt verherrlichend aus ostdeutscher Perspektive die Unterschiede zu West-Deutschland. Mit dem Satz "Ihr Völker der Welt. Schaut auf diese Stadt" wollte der Westberliner Oberbürgermeister Ernst Reuter am 9. September 1948 auf das Schicksal seiner Stadt aufmerksam machen. Diesen pathetischen, oft zitierten Satz, verwendet Karl Gass ironisch als Titel für seinen Film, der ein negatives Bild von Westberlin aus Sicht des DDR-Staates zeigt. Er beginnt mit einer polemischen Montage: Während in West-Berlin Militärfahrzeuge, Panzer und Soldaten der US-Armee und der anderen westlichen Alliierten patrouillieren, ist der Osten vom friedlichen Aufbau erfüllt: Die Zuschauer sehen Hörsäle, einen Staudamm, Felder, Braunkohlentagebaue und Arbeiter, die nach der Schicht ihre Fabrik verlassen. "Schaut auf diese Stadt" will beweisen, wie sehr dieser friedliche Aufbau von West-Berlin bedroht wird. Die Halbstadt, ein "Pfahl im Fleisch der DDR", wird als Hort von Unkultur, Schiebern, Saboteuren und Agenten, Sexbars und moralischem Verfall dargestellt. Adenauer und Strauß, Ernst Reuter und Willy Brandt seien Helfershelfer der "Kriegstreiber" und Revanchisten. Ein perfekt montierter, aus einer Fülle selten gezeigter Szenen zusammengestellter Propagandafilm mitten aus dem Kalten Krieg, der sich am Ende zu einer uneingeschränkten Zustimmung zum Mauerbau emporschwingt. Gezeigt werden jubelnde DDR-Männer und -Frauen, die den Kampfgruppen zuwinken. Für die Tränen und das Leid, das die Mauer über die Menschen diesseits und jenseits des Stacheldrahtes brachte, blieb dabei keinerlei Raum.
Im Sommer 1961 noch vor dem Mauerbau begonnen, wird der Film nach diesem historischen Ereignis zu einer Erklärung dafür, warum es so, wie es bisher war, nicht mehr weiter gehen kann. Unverkennbar, wie in fast allen Filmen von Karl Gass, auch hier die Leidenschaft, mit der er sein Thema behandelt. Wer den Zeitgeist des historisch bedeutenden Jahres 1961 kennen lernen will, der auf beiden Seiten mehr das Kalte-Kriegs-Vokabular als sachliche Argumente kannte, kann in diesem Propagandafilm die östliche Variante sehen.
Drehbuch: Karl-Eduard von Schnitzler, Karl Gass; Regie: Karl Gass; Montage: Christel Hemmerling; Kamera: Hans Dumke, Hans-Eberhard Leupold; Musik: Jean Kurt Forest; Mitwirkende: Karl-Eduard von Schnitzler Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Friedrich Schiller, der "James Dean von 1782", der erste leidende Künstler, erotischer Hitzkopf und Schwarm aller Mädchen. Die Premiere seines Dramas "Die Räuber" wird zum Happening: begeisterte Fans, die sich gegenseitig auf den Lautstärkepegel eines Rockkonzerts hochschaukeln, ein tumultartiger Event, der den Geist der Veränderung verbreitet und die Feudalgesellschaft aus den Angeln hebt.
Schiller ist Verfasser der "Ode an die Freude", die durch Beethovens Vertonung unsterblich wird, Autor des "Don Carlos" und unzähliger Dramen, Gedichte, Aufsätze, Erzählungen und Geschichten - ein literarisches Monument. Den Grundstein seines Schaffens legt Schiller schon früh mit seinem Drama "Die Räuber", er ist 22 Jahre alt. Seine Jugend ist ein Kampf gegen den Vater, die Vorgesetzten, die Disziplin, gegen Armut, Krankheit und Selbstzerstörung. Er rebelliert, wird verhaftet und eingesperrt; er flieht. Voller Stolz und Arroganz hat er das zwanghafte Verlangen zu schreiben. Am Mannheimer Hof bildet sich ein Trio: die schöne junge Schauspielerin Katharina, der arrivierte Hofdichter Iffland, der besessene, tollkühne Schiller. Iffland, der für die Gegenwart und Schiller, der für die Nachwelt schreibt. Ein harter, mit Worten ausgefochtener Zweikampf, den Iffland gewinnen wird. Vorerst: Denn den wahren und größten Sieg wird Schiller in Weimar erringen. Aber das ist eine andere Geschichte...
"'Schiller', der Film, geht mit der Biographie des Dichters frei, aber nicht mutwillig um. Regisseur Weinhart und sein Drehbuchautor Hendrik Hölzemann erfinden, angelehnt an historische Vorbilder, zum Beispiel die Schauspielerin Caroline Wiethoeft, gespielt von Barbara Auer, die ein geschicktes Bindeglied darstellt zwischen den verschiedenen Intrigen am Mannheimer Theater. Durch solche dramaturgischen Mittel gewinnt der Film ein Tempo, das Matthias Schweighöfer immer wieder forciert und abbremst. Sein Schiller kämpft um seine Existenz, will unbedingt den Erfolg. Zum Beispiel mit dem bürgerlichen Trauerspiel 'Kabale und Liebe'. Doch selbst mit Opportunismus will ihm das in Mannheim nicht mehr gelingen:
Schiller: 'Ich hoffe, Ihre Exzellenz sind zufrieden. Es ist die volle Ladung Leid, die ich gebe. Jetzt mache ich mich sofort an den zweiten Teil der 'Räuber'. Ich werde alles vermeiden, was die Empfindungen des Publikums stören könnte. Ich werde meinen Kontrakt erfüllen.' Dalberg: 'Die Kurfürstin hat interveniert. Sie will partout, dass Iffland Hausautor wird.'" (Quelle: Deutschlandfunk)
Schauspieler: Nikolaus Paryla, Michael Hanemann, Teresa Weißbach, Catrin Striebeck, Martin Feifel, Robert Dölle, Florian Stetter, Matthias Schweighöfer, Barbara Auer, Ulrich Noethen, Jürgen Tarrach; Drehbuch: Martin Weinhart, Hendrik Hölzemann; Regie: Martin Weinhart; Produktion: Uschi Reich, Michael Hild, Wolfgang Krenz; Kamera: Klaus Eichhammer; Musik: Thomas Osterhoff; Montage: Christian Nauheimer Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: "Ich kann besser an einem Ort leben, dessen Geschichte ich kenne." Im Prolog des Filmes betrachten zwei Männer Fotos. Die Männer sind noch nicht alt, die Fotos deutlich älter als die beiden Polen. Es sind Fotos aus einem Dorf in Niederschlesien, aus einer Welt, die es so nicht mehr gibt. Früher hieß das Dorf Seifershau, heute Kopaniec. Dort wohnen die beiden Männer.
Der Film erkundet die Geschichte dieses Ortes am Rande des Riesengebirges durch die Erinnerungen seiner früheren und heutigen Einwohner, deren Lebenswege die Erfahrung von Millionen von Menschen widerspiegeln. Zwischen dem Früher und dem Heute liegt die Vertreibung. Aus dem Ort wurden die deutschen Bewohner ab dem Sommer 1946 vertrieben. Seit 1945 wurden Vertriebene aus dem Ostpolen der Vorkriegszeit hier angesiedelt. In den ersten Jahren nach Kriegsende nannte man diese Region in Polen "Der Wilde Westen".
Seit Mitte der 1970er Jahre kommen immer wieder Besuchergruppen aus Deutschland im Bus nach Kopaniec, Menschen auf Besuch in einer "Heimat, die Heimat nicht mehr ist". Der Film begleitet die Gruppe bei der Ankunft, beim Heimatabend, auf den Wegen durch das Dorf, bei den Besuchen der heutigen Bewohner. "Als Kinder, wenn wir mutig waren, haben wir ihnen nachgerufen: äHitler kaputt, Hitler kaputt'", erzählt lachend eine junge Polin.
Nach dem Krieg lebten die alteingesessenen Bewohner und die ankommenden neuen noch bis zu zwei Jahre lang zusammen in demselben Haus. "Die Deutschen wurden schikaniert", erzählt ein Pole. Und: "Das machte alles der Krieg". Aber auch so klingen Erinnerungen: "Wir haben zusammen gegessen und gearbeitet". Alltag in einer Ausnahmezeit. In die Gegend um Kopaniec gelangten damals nicht nur Vertriebene aus dem Osten, von denen einige vorher jahrelang in Sibirien interniert waren. Familien aus dem in weiten Teilen zerstörten Zentralpolen versuchten ihr Glück, unter ihnen oft ehemalige Zwangsarbeiter. Ausgemusterte polnische Soldaten bekamen hier neues Land zugewiesen, Plünderer machten die Gegend unsicher. Auch davon erzählt der Film.
In dem Dorf leben die Alten mit ihren Geschichten, aber auch die Jungen leben hier mit der Geschichte des Dorfes. Sie leben ihr Leben, heute. Einer der Jüngeren kam aus Deutschland, Sohn einer Frau, die zu den Vertriebenen gehört, und er baut nun ein Haus in Kopaniec: "Zuerst habe ich erst mal Polnisch gelernt, denn ich bin ja nicht hierhergekommen, um die Geschichte wieder zurückzudrehen", sagt er. Seine Mutter wollte nie, dass er sich hier ansiedelt. Das Dorf ist Mittelpunkt des Filmes und Bindeglied zwischen den früheren und heutigen Bewohnern. Die Polen wie die Deutschen hofften nach ihrer Vertreibung, dass sie wieder nach Hause gehen können. "Man muss sich damit abfinden", sagt eine Polin.
"Schlesiens Wilder Westen" fragt, was Heimat ist: ein Ort, ein Mensch, ein Gefühl, eine Erinnerung?
Inhalt: Eine Automobilkauffrau, die Karriere machen möchte, eine alleinstehende Bankangestellte, die eine Schuhsammlung besitzt und mit ihren Katzen lebt. Eine Mutter, die Gründerin eines Internetforums ist, das sich mit ästhetischen Operationen befasst. Eine Frau, die Probleme mit ihrem Übergewicht hatte und ein Friedhofsgärtner, der sein Leben bis ins Endliche vorgeplant hat. Menschen aus der deutschen Mittelschicht. Auf den ersten Blick scheint an den Protagonisten in Schönheit nichts ungewöhnlich zu sein, allerdings haben sie alle etwas vermeintlich Außergewöhnliches gemeinsam - eine Schönheitsoperation. Carolin Schmitz gewährt dem Zuschauer einen Einblick in das Leben von Menschen, die sich im Namen der Schönheit unters Messer gelegt haben, aber auch von Menschen, die plastische Operationen durchführen. Welche Lebensentwürfe haben diese Personen? Was verstehen sie unter Schönheit? Die Protagonisten in "Schönheit" reden offen und nicht ohne Stolz über ihre Eingriffe. Sie verstehen die OP nur als Baustein, der das Leben insgesamt besser und schöner machen soll. Das Ergebnis des Eingriffs gehört gewissermaßen zum guten Lebensstandard, wie ein schnelles Auto, ein Personal Trainer, teure Kleidung oder der regelmäßige Besuch beim Friseur und bei der Kosmetikerin. Im Verlauf des Films wird klar, dass sich die Protagonisten im Spannungsfeld zwischen individueller Autonomie und Hörigkeit gegenüber sozialen Normen bewegen. Es wird jedoch auch immer deutlicher, welche ganz eigene Bedeutung Schönheit und Schönsein für jeden Einzelnen hat.
Montage: Stefan Oliveira Pita; Drehbuch: Carolin Schmitz; Regie: Carolin Schmitz; Produktion: Titus Kreyenberg; Kamera: Hajo Schomerus Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Schon vor dem Mauerfall porträtierte der gelernte Fotograf Sven Marquardt die subkulturelle Ost-Berliner Szene in ausdrucksstarken Schwarz-Weiß-Fotografien. Inzwischen ist er dank seines markanten Aussehens als Türsteher des legendären Technoclubs Berghain weit über die Grenzen Deutschlands hinaus bekannt.
Nach 25 Jahren Unterbrechung seines künstlerischen Schaffens erfindet sich Marquardt noch einmal neu und erlangt mit seinen Ausstellungen, Publikationen und Auftragsarbeiten Weltruhm. Seine Werke strahlen Nacht, Rausch, Exzess und Dunkelheit aus, obwohl sie meist bei Tageslicht entstehen. Die Porträts seiner DJs, Musiker, Türsteherkollegen sind erotisch, lässig, schmutzig und existenziell.
Nach FASSBINDER, FÜNF STERNE und FAMILIE BRASCH trifft Regisseurin Annekatrin Hendel in ihrem erneut sehr persönlichen Film Sven Marquardt und zwei seiner Weggefährten aus der gemeinsamen Ostberliner Punkzeit: Robert Paris und Dominique "Dome" Hollenstein.
SCHÖNHEIT & VERGÄNGLICHKEIT erzählt von drei Freunden mit einer gemeinsamen Jugend, deren Werdegang geprägt ist von ihrem künstlerischen Blick auf die Welt, von Radikalität und Offenheit. Aber es ist auch ein Film über die unbedingte Sehnsucht nach Individualität und Unangepasstheit, Rebellion, Älterwerden, Liebe und Freundschaft in ganz unterschiedlichen Werte-Systemen.
Und es ist ein Berlin-Film. Robert Paris' großartige Stadt-Ansichten erzählen vom Wandel der Stadt, vom eigenwilligen Charme menschenleerer Straßen, vernagelter Türen und blinder Fenster. Ein ungewöhnlicher Film, entstanden im 30. Jahr nach dem Mauerfall.
Musik: Robert Lippok; Kamera: Martin Farkas; Produktion: Annekatrin Hendel; Protagonist: Robert Paris, Dominique Hollenstein, Sven Marquardt; Drehbuch: Annekatrin Hendel; Montage: Gudrun Steinbrück; Regie: Annekatrin Hendel Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Grundbegriffe zum sozialkundlichen und politischen Unterricht. Systematik: Gam Umfang: 468 S. : zahlr. Ill. und graph. Darst. (überw. farb.) Standort: Gesellschaft / 1. OG ISBN: 978-3-411-04724-6
Inhalt: Der Film zeigt ein Schuljahr im Leben von vier Teenagern, die sich nach ihrer gemeinsamen Zeit auf der inklusiven Grundschule "Berg Fidel" trennen mussten, um auf unterschiedlichen Schulen weiter zu lernen. Es geht um das Erreichen von Noten und Abschlüssen und die Suche nach Anerkennung, aber auch um die persönlichen Wünsche und Sorgen der Protagonisten, die mitten in der Pubertät stehen.
Sechs Jahre nach "Berg Fidel - Eine Schule für alle" (2011) - ebenfalls auf dieser Plattform zu sehen - über eine inklusive Grundschule in Münster heftet sich die Dokumentaristin Hella Wenders erneut an die Fersen der damaligen Protagonisten.
"Was sind Träume, Hoffnungen, Sorgen, Ängste und Nöte junger Heranwachsender? Wenders zweiter Film gewährt wertvolle Einblicke in das Leben, Lernen und Erwachsenwerden unter zum Teil schwierigen Umständen. Der Film zeigt, wie wichtig und kostbar es ist, in einer durch Vielfalt und Respekt geprägten Umgebung groß zu werden und was die Protagonisten aus ihrer inklusiven Grundschulzeit mitgenommen haben." (aktion mensch)
Kamera: Luca Lucchesi; Musik: Tina Pepper; Regie: Hella Wenders; Produktion: Maximilian Leo, Jonas Katzenstein, Hella Wenders; Montage: Verena Neumann; Drehbuch: Hella Wenders Standort: Filmfriend Streamingdienst
Inhalt: Lisa, einst brillante Theaterautorin, schreibt nicht mehr. Sie lebt mit ihrer Familie in der Schweiz, doch ihr Herz ist in Berlin geblieben - bei ihrem Zwillingsbruder Sven, dem berühmten Bühnendarsteller. Seit Sven an einer aggressiven Leukämie erkrankt ist, sind die Geschwister noch enger verbunden. Lisa weigert sich, den Schicksalsschlag hinzunehmen, und setzt alle Hebel in Bewegung, um Sven wieder auf die Bühne zu bringen. Er ist ihr Seelenverwandter, für den sie alles andere vernachlässigt. Selbst als ihre Ehe in Schieflage gerät, hat sie nur Augen für ihren Bruder, in dem sich ihre tiefsten Sehnsüchte spiegeln: Er weckt in ihr das Verlangen, wieder kreativ zu sein, sich lebendig zu fühlen.
Mit "Schwesterlein" ist den Schweizer Regisseurinnen Stéphanie Chuat und Véronique Reymond ein aufwühlendes Drama gelungen, das sich ganz auf seine überragenden Hauptdarsteller verlassen kann: Nina Hoss und Lars Eidinger. Sie verkörpern das innige Geschwisterpaar voller Glaubwürdigkeit und leidenschaftlicher Intensität und verdichten die Geschichte zu einer berührenden Liebeserklärung an die Kunst und die belebende Kraft der Kreativität.
"Wirklichkeit und Fiktion, Fiktionales und Faktisches gehen eben oft ineinander über. Der echte Lars Eidinger ist gerade als Peer Gynt an der Schaubühne zu sehen, nicht mehr als Hamlet. Vor der Gynt-Vorstellung wird dort verkündet, Eidinger habe sich bei Proben versehentlich einen Finger abgeschnitten, wolle die Aufführung aber mit Schmerzmitteln trotzdem spielen. Bei allen Verrenkungen und verrückten Kostümwechseln Eidingers sucht natürlich jeder im Publikum die Wunde am Finger, nur um sich bald zu fragen, ob man denn glauben kann, was auf einer Theaterbühne so alles verkündet wird. Oder ob nicht gerade in dieser Ununterscheidbarkeit eine besondere Spannung liegt. (...)
Das glaubwürdig darzustellen, gelingt dem Film vor allem dank Eidinger und Hoss, die sich hier in gewisser Weise selbst spielen und vielleicht gerade deshalb ihren Szenen, in denen es ja nie um weniger als den Tod geht, eine große Natürlichkeit verleihen. Das sieht leicht aus, ist aber gerade deshalb so beeindruckend. Hoss kann in einen einzigen Blick die Sorge um die ganze Welt legen. In einer Szene, die in der Schaubühne spielt, kann man erleben, wie sich Eidinger als Sven eine Krone aufsetzt und zu einer Probe für 'Hamlet', bei der er nicht vorgesehen war, auf die Bühne kommt: 'Wer ist es, dessen Trauer solch ein Gewicht hat? Der mit dem Ausdruck seines Kummers die Sterne in ihrer Bahn aufhält und sie zum Stehen bringt wie schockierte Zeugen?' Wird da jetzt Eidinger oder Sven zu Hamlet? Und ist das wichtig? Die Grenzen verwischen. Gemeinsam gelingt es Hoss und Eidinger in diesem Spiel mit Fiktion und Wirklichkeit, mit dem Ich und dem Anderen, sogar noch dem Sterben etwas Beruhigendes abzuringen." (Nicolas Freund, in: Süddeutsche Zeitung)
Schauspieler: Moritz Gottwald, Lars Eidinger, Jens Albinus, Nina Hoss, Noah Tscharland, Thomas Ostermeier, Linne-Lu Lungershausen, Marthe Keller; Musik: Christian Garcia-Gaucher; Montage: Myriam Rachmuth; Produktion: Ruth Waldburger; Drehbuch: Stéphanie Chuat, Véronique Reymond; Sound Design: Jacques Kieffer, Patrick Storck; Kamera: Filip Zumbrunn; Regie: Stéphanie Chuat, Véronique Reymond Standort: Filmfriend Streamingdienst
Programm Findus Internet-OPAC findus.pl V20.240/8 auf Server windhund2.findus-internet-opac.de,
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